Born in Japan, based in Berlin, Germany since 2018.

Kyoco Taniyama’s practice is rooted in the concept of Ubiety — the condition of being in a particular place.
Responding to encounters with specific places, she creates sculpture, sound, moving image, drawing, and site-responsive installations.
She traces subtle relations embedded in landscapes and material traces, reconfiguring them into new structures and bringing them into perceptible form.

She studied Metal Craft and Industrial Design at Musashino Art University in Tokyo and, after graduation, deepened her engagement with material and bodily processes through practical experience at a metal factory. Since 2004, she has continuously worked on public art commissions across Japan, collaborating with architects and local communities to create site-specific installations that engage with situated memory and embodied experience.

Selected Exhibitions
“TIMEBENDERS｜Festival of Future Nows” (Neue Nationalgalerie, Berlin, 2025), “Unbändige Glanz” (Körnerpark Galerie, Berlin, 2024), “Sound from the Golden Age” (Harris Gallery | University of La Verne, USA, 2021), “Stone will flow, leaves will sink” (Künstlerhaus Bethanien, Berlin, 2019), “Rainy Alley / I’m here” (Setouchi Triennale, Kagawa, 2010/2013), “Reading Museum” (Tokyo National Museum, 2001), among others.

Selected Public Art
“In the near future,” Star-tram Building Entrance (Hiroshima, 2017); “Fluctuation,” Entrance Garden and Glass Corridor, Kyorin University Hospital (Tokyo, 2013); “I’m here.,” Takamatsu Municipal Pool, ART SETOUCHI Collection (Kagawa, 2012–2023); “HABIS ENT Promenade,” Seven Sculptures for Station Facility (Osaka, 2004), among others.

Asian Cultural Council (NY) Fellow (Lower Manhattan Cultural Council LMCC), 2012–13; Agency for Cultural Affairs, Japan – Overseas Study Program for Artists Fellow (Künstlerhaus Bethanien Berlin), 2018–19.

Artist Statement

My practice is rooted in the concept of Ubiety—an archaic term meaning the state or quality of being in a particular place. Guided by this idea, I have explored the layered relationships between memory, identity, and the environments we inhabit.

I was born in Japan and grew up in Borneo from the age of five months to four years old. When I returned to Japan, a place I had eagerly imagined as my “homeland,” I felt a strong sense of estrangement that continued to shape me. From this experience, the act of “feeling one’s own place in the world” became both the motivation and the central theme of my artistic practice.

I create sculptures, sound performances, and site-specific installations that interweave sculpture, sound, and moving image in both indoor and outdoor contexts. Through research into locally rooted materials, regional culture, and historical backgrounds, and sometimes in collaboration with local communities, I seek to bring forth the visible and invisible identities of place—its histories, memories, and voices.

During volunteer activities following the 2011 Great East Japan Earthquake, I encountered people who had lost their homes and sense of belonging in a single day. This experience deepened the significance of Ubiety in my work. Dialogues with those suddenly deprived of identity made me acutely aware of impermanence, fragility, and the fundamental necessity of listening. This later developed into the long-term oral history project MACHI no HANASHI (2014–23), based on interviews with 101 residents in Aoba Ward, a New Town area of Yokohama, Japan.

Since relocating to Berlin in 2018, a city marked by histories of division and migration, I have continued this exploration while experimenting with diverse modes of expression. By listening to sounds and voices beyond language and translating them into spatial forms, I seek to reweave relationships with the world.

My work is informed by the worldview of Japanese animism, Shintoism, and Buddhism, which understands all life and matter as interconnected. Through my works, I aim to generate dialogues between human and non-human realms, and between past and present. They celebrate the vitality and beauty of life while continuing to question human behavior toward nature, ecology, and the future.

Geboren in Japan, lebt und arbeitet sie seit 2018 in Berlin.

Kyoco Taniyamas künstlerische Praxis ist im Konzept der Ubiety – dem Zustand, an einem bestimmten Ort zu sein – verwurzelt.
In Auseinandersetzung mit konkreten Orten entstehen Skulpturen, Klangarbeiten, Moving Images, Zeichnungen sowie ortsspezifische Installationen.
Sie entwickelt ortsspezifische Installationen, in denen sie subtile, in Landschaften und materiellen Spuren eingebettete Beziehungen verfolgt, neu ordnet und in eine wahrnehmbare Form überführt.

Sie studierte Metallgestaltung und Industriedesign an der Musashino Art University in Tokio. Nach dem Abschluss vertiefte sie ihr Interesse an Materialität und körperlichen Prozessen durch praktische Arbeit in einer Metallfabrik. Seit 2004 realisiert sie kontinuierlich Kunst-am-Bau-Projekte in ganz Japan und arbeitet dabei mit Architekt:innen und lokalen Gemeinschaften zusammen, um ortsbezogene Arbeiten zu entwickeln, die sich mit situiertem Gedächtnis und verkörperter Erfahrung auseinandersetzen.

Ausgewählte Ausstellungen

„TIMEBENDERS｜Festival of Future Nows“ (Neue Nationalgalerie, Berlin, 2025),
„Unbändige Glanz“ (Galerie im Körnerpark, Berlin, 2024),
„Sound from the Golden Age“ (Harris Gallery | University of La Verne, USA, 2021),
„Stone will flow, leaves will sink“ (Künstlerhaus Bethanien, Berlin, 2019),
„Rainy Alley / I’m here“ (Setouchi Triennale, Kagawa, 2010/2013),
„Reading Museum“ (Tokyo National Museum, 2001), u. a.

Ausgewählte Kunst-am-Bau-Projekte

„In the near future“, Eingangsbereich Star-tram Building (Hiroshima, 2017);
„Fluctuation“, Eingangsgarten und Glaskorridor, Kyorin University Hospital (Tokio, 2013);
„I’m here.“, Takamatsu Municipal Pool, ART SETOUCHI Collection (Kagawa, 2012–2023);
„HABIS ENT Promenade“, sieben Skulpturen für eine Bahnhofsanlage (Osaka, 2004), u. a.

Asian Cultural Council (New York) Fellow, Lower Manhattan Cultural Council (LMCC), 2012–13;
Stipendiatin des Overseas Study Program for Artists der japanischen Kulturbehörde (Agency for Cultural Affairs), Künstlerhaus Bethanien, Berlin, 2018–19.

Künstlerisches Statement

Meine künstlerische Praxis gründet auf dem Konzept der Ubiety—einem archaischen Begriff, der den Zustand oder die Qualität des In-einem-bestimmten-Ort-Seins beschreibt. Von dieser Idee ausgehend habe ich die vielschichtigen Beziehungen zwischen Erinnerung, Identität und den Umgebungen, die wir bewohnen, erforscht.

Ich wurde in Japan geboren und wuchs vom fünften Lebensmonat bis zum vierten Lebensjahr auf Borneo auf. Als ich nach Japan zurückkehrte, einem Ort, den ich mir voller Erwartung als meine „Heimat“ vorgestellt hatte, empfand ich eine starke Entfremdung, die mich nachhaltig prägte. Aus dieser Erfahrung wurde das „Sich-des-eigenen-Ortes-Vergewissern“ sowohl zur Motivation als auch zum zentralen Thema meiner künstlerischen Praxis.

Ich realisiere Skulpturen, Sound-Performances und ortsspezifische Installationen, die Skulptur, Klang und bewegtes Bild im Innen- wie im Außenraum miteinander verweben. Durch Recherchen zu lokal verwurzelten Materialien, regionaler Kultur und historischen Kontexten sowie teilweise in Zusammenarbeit mit lokalen Gemeinschaften versuche ich, die sichtbaren und unsichtbaren Identitäten eines Ortes—seine Geschichten, Erinnerungen und Stimmen—hervorzubringen.

Während meiner freiwilligen Tätigkeit nach dem Großen Ostjapanischen Erdbeben 2011 begegnete ich Menschen, die innerhalb eines einzigen Tages ihr Zuhause und ihr Zugehörigkeitsgefühl verloren hatten. Diese Erfahrung vertiefte die Bedeutung der Ubiety in meiner Arbeit. Die Gespräche mit jenen, die so plötzlich ihrer Identität beraubt worden waren, schärften mein Bewusstsein für Vergänglichkeit, Fragilität und die grundlegende Notwendigkeit des Zuhörens. Daraus entwickelte sich später das langfristige Oral-History-Projekt MACHI no HANASHI (2014–23), basierend auf Interviews mit 101 Bewohner*innen des Bezirks Aoba, einem New-Town-Gebiet in Yokohama, Japan.

Seit meinem Umzug nach Berlin im Jahr 2018, einer Stadt geprägt von Geschichten der Teilung und Migration, setze ich diese Auseinandersetzung fort und erprobe dabei unterschiedliche Ausdrucksformen. Indem ich Klängen und Stimmen jenseits der Sprache zuhöre und sie in räumliche Formen übersetze, versuche ich, Beziehungen zur Welt neu zu verweben.

Meine Arbeiten sind von der Weltanschauung des japanischen Animismus, des Shintoismus und des Buddhismus geprägt, die alles Leben und jede Materie als miteinander verbunden begreift. Mit meinen Werken möchte ich Dialoge zwischen menschlichen und nichtmenschlichen Sphären sowie zwischen Vergangenheit und Gegenwart ermöglichen. Sie feiern die Vitalität und Schönheit des Lebens und stellen zugleich Fragen nach dem menschlichen Handeln gegenüber Natur, Ökologie und Zukunft.

日本生まれ。2018年よりドイツ・ベルリンを拠点に活動している。

Kyoco Taniyamaの実践は、「Ubiety（特定の場所に在るという状態）」という概念に根ざしている。
特定の場所との出会いに応答しながら、彫刻、音、映像、ドローイング、サイトスペシフィックなインスタレーションを制作している。
風景や物質に残る痕跡のなかに埋め込まれた繊細な関係性をたどり、それらを新たな構造へと組み替え、感知可能なかたちとして立ち上げている。

東京の武蔵野美術大学で金属工芸および工業デザインを学び、卒業後は金属工場での実務経験を通して、素材や身体的プロセスへの関心を深めた。2004年以降、日本各地で公共空間におけるコミッションワークを継続的に手がけ、建築家や地域コミュニティと協働しながら、場所に根ざした記憶や身体を通して経験される感覚と関わるサイトスペシフィックな作品を制作している。

主な展覧会

「TIMEBENDERS｜Festival of Future Nows」（ノイエ・ナショナルガレリー、ベルリン、2025）、
「Unbändige Glanz」（ケルナーパーク・ギャラリー、ベルリン、2024）、
「Sound from the Golden Age」（ハリス・ギャラリー｜ラヴァーン大学、米国、2021）、
「Stone will flow, leaves will sink」（クンストラーハウス・ベタニエン、ベルリン、2019）、
「Rainy Alley / I’m here」（瀬戸内国際芸術祭、香川、2010／2013）、
「Reading Museum」（東京国立博物館、2001）ほか。

主なパブリックアート

「In the near future」スタートラムビル エントランス（広島、2017）、
「Fluctuation」杏林大学病院 エントランスガーデンおよびガラス回廊（東京、2013）、
「I’m here.」高松市立プール ART SETOUCHI Collection（香川、2012–2023）、
「HABIS ENT Promenade」駅施設のための7点の彫刻（大阪、2004）ほか。

Asian Cultural Council（ニューヨーク）フェロー（Lower Manhattan Cultural Council LMCC）、2012–13年。
文化庁新進芸術家海外研修制度（クンストラーハウス・ベタニエン、ベルリン）、2018–19年。

アーティスト・ステイトメント

私の制作は「Ubiety（ユビエティ）」という概念に根ざしています。この言葉は「特定の場所に在ることの状態や質」を意味します。この概念を手がかりに、これまで私は記憶とアイデンティティ、人と環境のあいだに重層的に存在する関係性を探究してきました。

私は日本に生まれ、生後5か月から4歳までをボルネオで育ちました。楽しみにしていた「故郷」日本へ戻ったときに覚えた強い疎外感は、その後も私を捉え続け、その経験から「自分の居る場所を実感する」ということが作品制作の動機とテーマへと響いています。

私は彫刻、サウンド、映像を横断するスカルプチュア、サウンド・パフォーマンス、サイトスペシフィック・インスタレーションを屋内外で制作しています。土地に由来する素材や地域文化・歴史背景を調査し、時に地域の人々との協働を通して、場所が持つ可視的・不可視的なアイデンティティ——歴史、記憶、声——を浮かび上がらせたいと思っています。

2011年の東日本大震災後のボランティア活動では、一日にして拠り所を失った人々と出会い、その経験を通して、私の中で「Ubiety」というテーマがより確固たるものへと発展しました。アイデンティティを突然奪われた人々との対話は、無常性や脆さ、そして「聴くこと」の根源的な必要性を私に強く意識させました。この経験はのちに、ニュータウンとして形成された横浜市青葉区における、101人の住民へのインタビューを基盤としたオーラルヒストリーの長期プロジェクト《MACHI no HANASHI（2014–23）》へと発展しました。

2018年にベルリンへ移住して以降、分断と移民の歴史を抱えるこの都市において、現在もさまざまな表現方法を試みながら探究を続けています。言語を越えて音や声に耳を澄ませ、それを立体的に表現することで、世界と新たな関係を結び直そうとしています。

私の作品は、日本のアニミズム、神道、仏教に通底する、あらゆる生命と物質が相互につながっているという世界観に支えられています。作品を通して、人間と人間、そして非人間、過去と現在のあいだに時空を超えた対話を生み出すことを目指しています。私は作品を通して、生命の力強さと美しさを讃えると同時に、自然・エコロジー・未来に対する人間の振る舞いについて、根源的な問いを思考し続けています。